Collage sauvage et de mauvaise foi de l’actualité culturelle de la semaine
Le signe du Lion d’Eric Rohmer
Lumières d’août. C’est penser à toi, née sous le signe du Lion. C’est en lisant le livre posthume d’Aharon Appelfeld, Mon Père et Ma Mère, que je me suis rendu compte de ce qu’était une fidélité. Moi qui suis si maladroit avec mes amitiés, les vivant toujours comme on observe des étoiles distantes, j’ai réalisé ma chance. Appelfeld revient vers les rivages de son enfance. C’est souvent émouvant et drôle aussi. Continuer la lecture de « Le Signe du Lion – Aharon Appelfeld, Eric Rohmer, Henry Nowhere »
1977, en pleine vague punk, sort le premier album de Cheap Trick, formation américaine de Rockford dans l’Illinois. Disque inclassable, il figure parmi les jalons de la powerpop mais n’en épouse cependant pas tout à fait les contours. Dès la pochette, le groupe exprime cette ambiguïté, la difficulté de les classer avec précision. Au centre, les beaux gosses Robin Zander (chant) et Tom Petersson (basse) sont accompagnés par les gueules iconoclastes de Bun E. Carlos (à gauche, batteur) mi-Hidalgo mi-Groucho, et Rick Nielsen (à droite), le guitariste au look d’écolier, connu pour avoir une guitare à cinq manches. Continuer la lecture de « Cheap Trick, Cheap Trick (Epic) »
« Ça fait des années que je travaille sur une version de cette chanson. Greg Sage est un songwriter que j’admire beaucoup. Il a cette capacité hors du commun à écrire des paroles ambivalentes – mais jamais confuses. Les deux premiers disques sont reconnus comme des monuments du punk, mais peu de gens parlent de ses disques parus dans le nineties. J’ai notamment choisi cette chanson pour attirer l’attention sur cette période de Wipers.
Si on ne considère que ses paroles,I’ll Be Around peut sembler conciliante : le monde est hostile et injuste, mais le narrateur finira par obtenir ton attention. Mais quand on écoute l’interprétation de Sage – tendue, douloureuse et implorante – la chanson ressemble à une menace. Le narrateur en a assez d’être ignoré et demande qu’on reconnaisse sa présence. J’essaie toujours d’apporter une dimension nouvelle aux chansons que je reprends. J’ai donc tenté d’ajouter une sentiment de réconfort et de soulagement – un sentiment dont nous sommes tous très désireux en ce moment.
En ce qui concerne le son, Je me suis inspiré des films des bandes originales des films de John Hughes. Ses films n’ont pas très bien vieilli mais les morceaux restent fantastiques. Dans l’instrumentation, j’ai tenté d’évoquer un peu de cette stimulante humeur new wave. »
Jusqu’à présent, tout allait bien. Il y avait eu les prémisses prometteuses – Dear Hamlyn (2008). Puis était venu le temps de la consécration américaine, bientôt suivie de sa confirmation – Passerby (2014) et Sculptor (2018). Alors que cette belle trajectoire d’expansion progressive semble commencer à s’infléchir, il n’est malheureusement pas exclu que Dreamboat soit l’album dont personne ne songe à se préoccuper. Furtivement mise en ligne dans les méandres d’un automne très gris, publiée quasiment à compte d’auteur en dehors du catalogue Sub Pop, cette quatrième œuvre majeure du couple australien, immigré à Brooklyn puis récemment revenu se calfeutrer du côté de Melbourne – pandémie oblige – pour la première fois depuis dix ans, mérite tout autant que les précédentes d’être saluée à sa juste et grande valeur. Continuer la lecture de « Luluc, Dreamboat (Sun Chaser Records) »
C’est ainsi que Leonard Cohenconclut la difficile deuxième période de sa carrière dite « des désamours », qui a succédé à la lune de miel entre le poète et son public, à sa bohème élégante mais sincère, inattaquable géographiquement — le Chelsea Hotel et Hydra avant l’arrivée de l’électricité sur l’île, qui dit mieux ? — et artistiquement — les recueils, le roman, puis les trois premiers albums, inattaquables — trop noirs ? Inattaquables. Continuer la lecture de « Leonard Cohen, Various Positions (Columbia, 1984) »
Sorti pendant le confinement, Deleted Scenes d’Once & Future Band mérite certainement que nous nous y attardions. Once & Future Band, déjà, en 2016, fut une excellente surprise, le genre d’albums que vous n’attendiez pas mais qui révèle sa richesse à chaque écoute, au point de revenir régulièrement sur la platine. À la marge des autres sorties de Castle Face, celles opérant dans les eaux du punk et l’expérimental (Oh Sees, Pow!, Damaged Bug, Eddy Current Suppression Ring etc.), Once & Future Band est un groupe maximaliste qui se détourne de certaines des règles du bon goût. En effet, si certains visent l’épure jusqu’à la disparition (des mélodies, de l’ambition, du travail de production), le groupe d’Oakland pratique une pop progressive, exaltée, mais heureusement sage sur les durées : seul deux des neuf titres de Deleted Scenes dépassent les cinq minutes. Continuer la lecture de « Once & Future Band, Deleted Scenes (Castle Face) »
Entretien avec le frontman de Grandaddy pour les vingt ans de « The Sophtware Slump »
Jason Lytle / Grandaddy
C’est toujours un peu pareil avec les anniversaires et les commémorations. Il y a les gâteaux qu’on digère moins bien, les bougies que l’on finit par ne plus souffler et puis les coups de vieux. Il y a ceux que l’on prend, inévitablement : pas trop graves encore, et on commence à avoir acquis l’habitude d’y faire face. Les plus douloureux sont encore ceux qui touchent à l’intégrité du souvenir. Alors, il y a toujours comme un doute, une pointe d’appréhension, pour The Sophtware Slump (2000) de Grandaddy peut-être un peu plus que pour les autres. Alors qu’il s’apprête à rentrer dans son mausolée de vinyle et de carton – un coffret, quatre albums, beaucoup de b-sides et une version complète de l’album réenregistrée au printemps par Jason Lytle au piano – on se demande, un peu inquiet, ce qu’il va bien pouvoir rester d’un album aussi étroitement associé à une période peut-être révolue. Continuer la lecture de « Jason Lytle – Retour vers le Phutur »
A l’heure où se projeter dans le futur devient de plus en plus compliqué et où le repli sur soi est une contrainte de vie universelle, la tentation de se tourner vers un passé doré (et souvent imaginaire) est immense. Ce « retour aux racines », plus que dangereux en politique, l’est tout autant quand on parle de création, mais comment envisager l’avenir quand on est coincé chez soi ? En construisant des ponts entre les âges et les lieux, comme dans cette reprise où David-Ivar / Herman Düne interprète pour nous Workin’Woman Blues de Valerie June (2013), artiste de Memphis dont le mélange d’Americana, de gospel et de folk-blues transcende les époques et les genres, depuis chez lui à Vinegar Tree, un quartier de San Pedro en Californie où Charles Bukowski finit ses jours.
A lire ci-dessous : la chronique de Notes From Vinegar Hill, nouvel album de Herman Düne.
1977, en pleine vague punk, sort le premier album de 
Jusqu’à présent, tout allait bien. Il y avait eu les prémisses prometteuses – 
Sorti pendant le confinement, Deleted Scenes d’
