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Machines #10 : ARP 2500, matrice analogique

L'ARP 2500
L’ARP 2500

Dans un entretien avec Julia Eckhardt, l’artiste sonore et compositrice Éliane Radigue explique en ces termes sa passion pour le synthétiseur ARP 2500 : « Le jour où je suis tombée sur l’ARP, c’était évident. Je n’avais plus à chercher. (…) le top du top du synthétiseur ARP 2500 était sa « voix » reconnaissable entre toutes, si délicate. C’est ce qui a déterminé mon choix. » Un éloge d’un instrument mythique par l’une de ses praticiennes les plus importantes qui souligne le caractère profondément singulier de son timbre, sa sophistication et richesse légendaires. Les travaux électroniques de Radigue, basés sur la pratique du son tenu et de la micro-tonalité, n’auraient à coup sûr pas pu atteindre la même rigueur formelle ni la même intensité sans l’architecture et la matrice de modulation particulièrement originales du synthétiseur. Continuer la lecture de « Machines #10 : ARP 2500, matrice analogique »

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Sister Iodine, Hollozone (Nashazphone)

On se souvient d’un concert de Sister Iodine aux Instants Chavirés vers la fin des années 2000, qui nous avait totalement chamboulé : la puissance cathartique de la prestation du power trio avant-noise, sa radicalité et l’extrême sophistication de sa déconstruction de l’héritage no-wave, nous avait définitivement convaincu de son importance au sein du paysage des musiques expérimentales. Véritable chainon manquant entre un rock bruitiste — axe Glenn Branca/Sonic Youth (période Bad Moon Rising) — et l’abstract noise électronique — axe Mego/Pan Sonic/Wolf Eyes — , Sister Iodine fait figure de point d’ancrage pour toute une scène française et internationale. Actifs depuis 1992, Lionel Fernandez, Erik Minkkinen et Nicolas Mazet ont en effet élaboré une œuvre à la radicale insularité : formes et formats dont il s’agit de dissoudre les cadres trop établis et contraints, en hybridant d’une manière totalement libre noise, post-rock, power electronic, hardcore ou encore électro-acoustique. Continuer la lecture de « Sister Iodine, Hollozone (Nashazphone) »

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Kali Malone, Stephen O’Malley et Lucy Railton, Does Spring Hide Its Joy (Ideologic Organ)

Living Torch, son précédent disque paru en 2022 , nous avait définitivement convaincu de l’importance de l’œuvre de Kali Malone. Sa prestation au festival Akousma x Présences électronique en 2021 aussi, impressionnante par sa manière de s’approprier le double héritage des musiques électro-acoustiques et du minimalisme drone.  Une inscription revendiquée au sein d’une filiation précisément déterminée : on pense à La Monte Young évidemment, mais aussi à Eliane Radigue et Phill Niblock, comme trois figures matricielles d’un travail autour du son et de son étirement temporel. Et c’est ce qui frappe lorsque l’on aborde les pièces de la compositrice et musiciennes américaine, aujourd’hui établie entre la Suède et la France, à savoir la radicalité d’une approche visant une certaine sensibilité méditative. Continuer la lecture de « Kali Malone, Stephen O’Malley et Lucy Railton, Does Spring Hide Its Joy (Ideologic Organ) »

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Simon Reynolds, Hardcore (Éditions Audimat)

L’underground dance électronique UK a toujours été marqué par un certain nombre de caractéristiques saillantes : science du breakbeat, usage des basses et infrabasses, importance du MC, influences dub et dancehall, pratique du rewind, etc. Le tout croisé avec le canon techno/house en provenance des USA, conférant à cette une scène une véritable insularité générique : des premiers productions bleeps aux formes les plus contemporaines de bass music, en passant bien évidemment par le hardcore UK, la jungle, le UK Garage, le grime ou le dubstep, une certaine logique de continuité peut en effet être repérée, par-delà les mutations inhérentes à la succession de ces différents courants ou sous-courants. C’est tout l’objet d’une série d’articles[1] rédigés en quasi- temps réel par Simon Reynolds pour Wire tout au long des années 1990, avec une conclusion en 2005 à propos des scènes grime et dubstep. L’occasion pour lui d’y forger une hypothèse théorique forte, celle d’un  continuum hardcore qui lui permet précisément de saisir l’unité esthétique, matérielle, sociologique et géographique de tout un pan de la rave et post-rave UK. « (…) une généalogie musicale apparue à la fin des années 1980 qui, dans les années 1990 et 2000, a subi de rapides mutations et donné lieu à une succession de genres de dance music (…) c’est aussi une subculture, une sorte de macroscène qui tire sa cohésion d’une infrastructure durable composée de radios pirates, de clubs, de promoteurs de raves et de disquaires spécialisés, mais aussi de rituels et de procédures (…) pour la plupart hérités de la culture des sound systems jamaïcains (…). » Continuer la lecture de « Simon Reynolds, Hardcore (Éditions Audimat) »

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Pole – Le temps distordu

Figure tutélaire du genre dubtronica, Pole vient présenter son LP « Tempus » au Festival BBMix ce week-end.

Stefan Betke / Pole
Stefan Betke / Pole

Tempus (Mute records), nouvel album de l’allemand Stefan Betke et de son projet principal Pole, creuse un sillon inauguré il y a plus d’une vingtaine d’années avec sa fameuse trilogie Pole 1, 2 et 3. Une dubtronica abstraite et froide, conceptuelle et expérimentale, qui est assurément l’une des aventures esthétiques les plus passionnantes de la scène électronique allemande contemporaine. Nous avons pu rencontrer Stefan Betke à l’occasion de son passage au festival BBMix le 26 novembre, et évoquer avec lui une œuvre aussi fascinante qu’indispensable. Continuer la lecture de « Pole – Le temps distordu »

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Musical Écran 2022 : 3 documentaires autour de Stockhausen, Delia Derbyshire et COUM / Throbbing Gristle

Delia Derbyshire, Karlheinz Stochkausen et Genesis P. Orridge
Delia Derbyshire, Karlheinz Stochkausen et Genesis P. Orridge

LICHT, œuvre testamentaire de Karlheinz Stochkausen à l’ambition démentielle (un cycle de 7 opéras correspondant aux jours de la semaine pour une durée totale de 29 heures), incarne de manière particulièrement idéal-typique un certain esprit moderniste, tel qu’il a pu caractériser les grandes entreprises sérielles et post-sérielles de l’apres-1945 : une radicalité formaliste et une sophistication inégalée, l’utopisme avant-gardiste porté à son point d’achèvement en quelque sorte. Continuer la lecture de « Musical Écran 2022 : 3 documentaires autour de Stockhausen, Delia Derbyshire et COUM / Throbbing Gristle »

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Cinq bougies pour Transversales Disques

Sébastien Rosat et Jonathan Fitoussi, Transversales
Sébastien Rosat et Jonathan Fitoussi, Transversales

Le digging pointu fait aujourd’hui figure de domaine incontournable pour la production pop contemporaine. Superior Viaduct, Numero Group, WRWTFWW, Finders Keepers, Editions Mego/Recollection GRM, autant de noms de labels qui se caractérisent par des pratiques éditoriales remarquables et par leur haut niveau d’exigence : catalogues aux lignes impeccables, érudition historique, perfectionnisme dans la réalisation des objets (livret, pochette, etc.)

Fondé à Paris en 2017 par Jonathan Fitoussi et Sébastien Rosat, Transversales Disques ne déroge pas à cette règle. Croisant des esthétiques ou des figures aussi diverses que celles des pionniers de l’électro-acoustique (Bernard Parmegiani, Luc Ferrari, Pierre Henry), figures singulières de l’expérimentation électronique (les frères Baschet, Igor Wakhévitch, Ariel Kalma, Suzanne Ciani bientôt), maitres de la bande originale de film (François de Roubaix, Ennio Morricone, Philippe Sarde, Alessandro Alessandroni), ou encore représentants importants du Free/Spiritual Jazz (Pharoah Sanders, Archie Shepp), le label s’est très rapidement imposé comme l’un des plus intéressants du moment. Reprenant le flambeau de noms mythiques comme ceux de Shandar Records ou de BYG/Actuel, Transversales Disques fête ce mois d’octobre ses cinq années d’existence. L’occasion de faire retour sur quelques références marquantes du catalogue. Continuer la lecture de « Cinq bougies pour Transversales Disques »

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Stranger Teens #16 : « Pump Up the Jam » par Technotronic feat. Felly

Tout l’été, les morceaux qui ont sauvé notre adolescence.

Pour tout indie kid en devenir, être adolescent pendant la première moitié des 90’s a forcément signifié une passion plus ou moins affirmée pour Nirvana, et pour le rock alternatif US plus globalement. Une esthétique et une éthique de l’authenticité rock et punk, centrée sur la guitare et le culte de la distorsion. Une manière de réagir au formatage de certaines productions typiques de la décennie précédente, à leur sophistication et maniérisme surjoués. Le synthétiseur et ses gimmicks/items incarnant dans cette perspective le contre-modèle absolu. Continuer la lecture de « Stranger Teens #16 : « Pump Up the Jam » par Technotronic feat. Felly »