Sylvie Simmons listens to poems by Leonard Cohen at the Jewish Museum, New York, 2019 / Photo Twitter
As she releases Blue on Blue, her superb second album which, as its predecessor, has been produced by Howe Gelb, Sylvie Simmons has indulged to do a mix between a blind test and a playlist for us. Which leads us to realize that chatting about music with someone who, like her, has interviewed almost everyone in rock music, is, for instance, starting to talk about Tom Waits to quickly sliding to what Johnny Cash used to have for breakfast. Continuer la lecture de « Blind Test : Sylvie Simmons (English version) »
Six ans après le très sobrement nommé Sylvie, un premier album qui avait fait forte impression, Sylvie Simmons ressort son ukulélé (!) et présente Blue on Blue, un deuxième LP qui semble l’installer enfin comme une chanteuse à part entière, et plus seulement comme une “journaliste ayant enregistré un disque”. Mais, derrière cette réussite, il y a également l’histoire d’une gestation très mouvementée et marquée, notamment, par un grave accident, par une interruption de deux ans dans le processus d’enregistrement et, surtout, par l’idée que ce disque a vraiment failli ne jamais voir le jour. Continuer la lecture de « Sylvie Simmons – Les Mots bleus »
Il y a quelques semaines, le label Real Gone Music exhumait une dizaine d’enregistrements inédits du génial Robbie Basho, guitariste visionnaire et totalement azimuté qui fut sans doute la figure la plus singulière et énigmatique du mouvement “american primitive”, initié par John Fahey vers la fin des années 50. Réalisés pour le label Vanguard, à une époque où la direction de celui-ci cherchait vaguement à explorer de nouveaux territoires musicaux, ces enregistrements – datés de 1971 “ou” de 1972 et dont personne, même chez les spécialistes du genre, ne soupçonnait l’existence – illustrent à merveille le saisissant isolement dans lequel Robbie Basho aura finalement mené l’ensemble de sa carrière, voire sa vie tout entière. Continuer la lecture de « Robbie Basho, Songs of the Great Mystery (Vanguard / Real Gone) »
La première image de David Pajo, en tout cas la première à avoir été diffusée à une grande échelle, remonte au début des années quatre-vingt-dix. Il s’agit de la photo en noir et blanc qui illustre la pochette de Spiderland, le second album de Slint. Un peu floue, l’image montre les quatre membres du groupe en pleine baignade dans une rivière du Kentucky. Seules les têtes émergent de l’eau ; celle de David Pajo apparaît à droite. Légèrement à l’écart, le jeune homme semble regarder l’objectif avec une distance amusée. Continuer la lecture de « Papa M : M le maudit »
Un mix thématique par jour à écouter en temps de confinement.
Vers la fin des années soixante, alors que la soul commençait à prendre son essor auprès du public blanc, beaucoup d’artistes noirs américains avaient pris pour habitude de se confronter aux standards de la pop ou de la country contemporaines. Cette sélection suit le télescopage de ces deux mondes.
Maria McKee n’avait plus donné de nouvelles depuis près de treize ans. Retirée de la musique pour se consacrer au cinéma et, plus précisément, aux films de son mari, Jim Akin, la chanteuse n’avait donc plus rien sorti depuis Late Decemberen 2007, jugeant notamment que sa carrière ne lui ressemblait plus et que son heure était sans doute aussi un peu passée. Pourtant, cette pionnière de la scène néo-country, encensée depuis ses débuts au sein des éphémères Lone Justice, a toujours été une femme de tête et demeure une figure difficilement contournable du rock américain de ces quarante dernières années. Dans les années 90, elle avait ainsi réussi à s’imposer comme une véritable artiste solo, signant quelques albums de haute tenue, parmi lesquels le remarquable You Gotta Sin to Get Saved (1), un classique de l’americana produit par George Drakoulias et pour lequel elle avait embrigadé des membres des Jayhawks, des Posies et des Heartbreakers de Tom Petty. Continuer la lecture de « Maria McKee : La Chamade »
Retour sur l’une des grandes figures cultes du garage-punk américain des années 2000
Jay Reatard
Le 4 août 2009, Jay Reatard sortit son tout dernier album ; le disque s’intitulait Watch Me Fall (1). Le chanteur avait alors expliqué (2) que ce titre était une sorte de message adressé à certaines personnalités “toxiques” de son entourage : “Un jour, je me suis rendu compte qu’un bon nombre des personnes que je côtoyais n’avaient plus rien à faire dans ma vie. Cela concernait autant des amis de longue date que des personnes avec lesquelles j’avais l’habitude de traîner ou de travailler. Les gens deviennent souvent amers et aigris lorsqu’ils ont le sentiment d’être délaissés. Or je n’ai plus de temps à perdre avec ce genre de problèmes. Ce titre, Watch Me Fall, est un peu ma réponse à ces anciens amis qui rêvaient de me voir échouer.”
Jay Reatard, pochette de « Watch Me Fall »
Jusqu’à cet été 2009, la carrière musicale de l’impétueux Jimmy Lee Lindsey (3) s’était déroulée à une vitesse fulgurante, puisqu’il avait trouvé le moyen d’enregistrer pas moins de dix-huit albums (4) ainsi qu’une pléiade de 45 tours et d’EPs en moins de douze ans. Pour lui, le point de bascule fut la réalisation du foudroyant Blood Visions, son premier disque solo, en octobre 2006. Enregistré en complète autonomie au cours de l’été 2005 entre sa maison de Memphis et l’appartement d’Alix Brown, sa petite amie d’alors, à Atlanta, ce disque avait été une sorte de coup de maître, une œuvre visionnaire construite sur une quinzaine de giclées punks, frénétiques, étourdissantes et terriblement accrocheuses. À l’époque, pris dans le flux continu des sorties, le disque ne connut qu’un succès mitigé, mais sa réputation grandit peu à peu au point de finalement lui permettre d’être considéré comme l’un des grands albums cultes de la décennie. En 2009, Jay Reatard avait déjà rattrapé une importante partie de son retard en termes de notoriété. Watch Me Fall, son deuxième album solo, sortait chez Matador, ce qui lui ouvrait de fait un horizon commercial bien plus vaste que celui dont il avait pu bénéficier pour ses sorties chez Goner ou Empty(5) notamment. Après des années de production stakhanoviste au sein des circuits secondaires du rock américain, cet héritier turbulent des Oblivians et de tous les héros plus ou moins maudits de la scène garage-punk américaine se retrouvait enfin en pleine lumière, prêt à se révéler au plus grand nombre. Malheureusement, le 13 janvier 2010, soit quelques semaines seulement après la sortie de son second album solo, Jay Reatard décédait dans son sommeil des suites d’une mauvaise combinaison d’alcool et de cocaïne. Il avait 29 ans. Continuer la lecture de « Jay Reatard : La fièvre dans le sang »
A quelques jours de Noël, le label Fire réédite All the Leaves Are Gone, le premier album de Josephine Foster & The Supposed. Daté de 2004, cet album souvent génial et ravagé par une fièvre psychédélique sans équivalent dans la discographie de la chanteuse, apparaît toujours, quinze ans après sa sortie, comme l’un des plus grands disques d’acid folk des années deux mille. Depuis une quinzaine d’années, Josephine Foster construit patiemment l’une des œuvres les plus singulières de la musique américaine contemporaine. Oscillant le plus souvent entre country atemporelle et songwriting classique fleurant bon l’esprit des standards de Tin Pan Alley, cette musicienne hors norme ne cesse de serpenter d’un registre à l’autre, alternant sans la moindre difficulté acid folk et lieder romantique allemand (1), chansons traditionnelles espagnoles (2) et adaptions chantées de poèmes d’Emily Dickinson(3). Continuer la lecture de « Josephine Foster : Heure d’Hiver »
Il y a quelques semaines, le label 
Vers la fin des années soixante, alors que la soul commençait à prendre son essor auprès du public blanc, beaucoup d’artistes noirs américains avaient pris pour habitude de se confronter aux standards de la pop ou de la country contemporaines. Cette sélection suit le télescopage de ces deux mondes.
