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Selectorama spécial B.O. : Froid Dub

Stéphane Bodin et François Marché aka Froid Dub
Stéphane Bodin et François Marché aka Froid Dub / Photo : DR
En bons gonzos que nous sommes parfois, nous n’avons pas encore vu le film. Fotogenico, réalisé par Marcia Romano et Benoît Sabatier est pourtant sorti en salles hier, et il conte l’histoire de – et là, on se saisit du résumé officiel – Raoul, qui débarque à Marseille où sa fille est morte. Il découvre qu’elle avait enregistré un disque avec une bande de filles, et se met alors en tête de remonter ce groupe. Argument diégétique rêvé pour tout compositeur de bande originale de film, puisqu’elle joue un rôle central, presque un personnage à part entière. Chantée en partie par Emma Amaretto, entendue chez les post-punk Catalogue, elle comprend des reprises de The Field Mice, Luna et 1000 Ohm. Du bel ouvrage signé par le duo Stéphane Bodin et François Marché (on ne leur fera pas l’affront de souligner une fois encore leurs frasques au siècle dernier) alias Froid Dub, auteurs de quelques très beaux maxis chez Delodio, leur propre label. Cette fois, ils montent en intensité avec ces 33 morceaux (sur la version digitale) glaçants et brutaux, qui ne donnent qu’une seule envie, c’est de découvrir quelle place leur ont été conférée dans ce film où l’on retrouve aussi Roxane Mesquida, habituée de l’œuvre sulfureuse de l’américain Gregg Araki. Pour l’occasion, Froid Dub nous ont choisi quelques-unes de leurs B.O. de chevet. Avec le plus grand soin et le meilleur goût, vous remarquerez.

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Being Dead, EELS (Bayonet Records)

Le secret Being Dead m’a été révélé il y a cinq ans par un fellow Austinite, de la part duquel j’avais reçu l’un de leurs premiers singles – Hot Car – accompagné de cette phrase qui met toujours du baume au cœur : « Je pense que ça va te plaire ». L’esthétique surf rock lo-fi et l’entrain du duo m’avaient emballée, mais j’étais loin d’imaginer (tout comme cet ami, témoin de leur parcours dans la capitale texane) que quelques années plus tard, l’un de leurs albums se hisserait dans les tops de fin d’année de tous les médias musicaux indés ou presque, Paste et Pitchfork compris.

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Kevin Ayers, All This Crazy Gift Of Time, The Recordings 1969-1973 (Esoteric Recordings)

Toute la musique rassemblée ici a été enregistrée en cinq ans à peine – entre la fin calamiteuse de la tournée américaine de Soft Machine en compagnie de Jimi Hendrix et l’expiration du contrat avec Harvest, faute de succès concluant. Hasards de la numérologie sans doute, c’est à cinq ans que je l’ai découverte. D’abord avec un nom. Associé, comme beaucoup d’autres, à l’enfance et à ces pochettes de disques qui trainaient dans la chambre de ma sœur aînée – en l’occurrence, une réédition qui regroupait en double album Whatevershebringwesing (1971) et Bananamour (1973) dont la garde m’a été généreusement attribuée depuis. Une musique ensuite, bizarre – un peu trop pour mes oreilles mal accoutumées aux dissonances – différente, incertaine. La voix si grave n’était pas désagréable – sauf quand elle était monstrueusement déformée : je détestais Song From A Bottom Of A Well – mais c’était comme si ce compositeur paresseux ne s’était pas donné la peine de terminer proprement et sérieusement toutes ses chansons. Cette sensation de négligence improvisée me troublait et m’inquiétait un peu. J’entendais bien quelques morceaux qui me plaisaient déjà mais, petit garçon, je préférais que mes chanteurs se comportent en adultes responsables, au moins sur toute l’entièreté d’une face, et qu’ils s’en tiennent à de vrais couplets suivis de refrains que l’on pouvait fredonner aisément. Comme Cat Stevens ou les Beatles, par exemple. Continuer la lecture de « Kevin Ayers, All This Crazy Gift Of Time, The Recordings 1969-1973 (Esoteric Recordings) »

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Dottie Doppler, Dottie Doppler plays (Fréquences Critiques)

Il s’agit d’un phénomène bien connu : l’omniprésence d’une tendance musicale, la généralisation de ses gimmicks d’écriture ou de production, provoque quasi-systématiquement une forme de réaction ou de contrepied. Celle du laptop dans la musique expérimentale du début des années 2000 a logiquement contribué à ce que ce développe son contraire, à savoir la montée en puissance d’une esthétique de l’analogique, du matériel retro, de la circuiterie et du câblage. On ne pourrait comprendre la renouveau de la synthèse modulaire autrement, ou encore l’essor de labels comme  Da ! Heard It Records ou Tanzprocesz. Car cela fait maintenant une bonne quinzaine d’années que se développe une scène mutante aux contours en perpétuelle évolution, qui réinvestit différents genres allant de l’indus oldschool aux entreprises électroniques concrètes ou aux différentes formes de bruitisme DIY. Continuer la lecture de « Dottie Doppler, Dottie Doppler plays (Fréquences Critiques) »

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Iain Matthews : « Quand on a écrit des chansons pendant trente ou quarante ans d’affilée, il n’y pas vraiment d’interrupteur ! »

Iain Matthews / Photo : Lisa Margolis
Iain Matthews / Photo : Lisa Margolis

Plus d’un demi-siècle de carrière et plusieurs vies musicales. C’est tout le temps qu’il a fallu pour que le jeune apprenti footballeur, stagiaire pro au club de Bradford, se mue, décennie après décennie, en l’un des interprètes ET des auteurs les plus considérables et les plus mal estimés de l’histoire du folk-rock. Et du country-rock. Et aussi de multiples autres styles, effleurés ou explorés tout au long d’une discographie dont il est devenu quasiment impossible de recenser exhaustivement toutes les dérivations tant s’y entremêlent les projets et les références. Alors que Cherry Red Records continue de tenter de remettre un peu d’ordre dans les archives plus que pléthoriques de l’ancien chanteur de Fairport Convention – plusieurs box-sets ont déjà été publiées, d’autres vont bientôt suivre – Iain Matthews publie cet automne un nouvel album solo, How Much Is Enough qu’il présente lui-même comme un ultime tour de piste. Continuer la lecture de « Iain Matthews : « Quand on a écrit des chansons pendant trente ou quarante ans d’affilée, il n’y pas vraiment d’interrupteur ! » »

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Sous Surveillance : Prism Shores

Prism Shores / Photo : DR
Prism Shores / Photo : DR

Qui ?

Jack : Guitare / basse & chant
Ben : Guitare / basse & chant
Luke : Batterie & chant
Finn : Guitare & chant
Prism Shores est l’assemblage des groupes : Dresser, Forensics, White Knuckle, Molly Drag, Sorrey, Antibodies, Wood Andrews et Russell Louder.

Où ?

Basés à Montréal, Jack, Ben et Luke viennent de l’Île du Prince-Edouard, quand à Finn, il est originaire d’Auckland en Nouvelle Zélande. Ville Foisonnante depuis longtemps en termes de groupes, artistes ou lieux indés.

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Selectorama : Nicolas Jublot, Géographie Records

Une partie de l'écurie Geographie, avec Nicolas Jublot en bas à droite / Photos : FB
Une partie de l’écurie Geographie, avec Nicolas Jublot en bas à droite / Photos : FB

En 2019, Nicolas Jublot, programmateur affûté au Point Éphémère à Paris, décidait de monter un label, Géographie. Première signature dans la foulée, le second album des très remarqués Marble Arch, Children of the Slump. Cinq ans plus tard, il a déjà une belle brochette indie pop à son actif : Paper Tapes, Born Idiot, Good Morning TV, Bad Pelicans… Deux groupes ont rejoint la maison cette année, relançant de manière impromptue mais réjouissante les activités du label. Dog Park, qui depuis a joué maintes fois dont une scène de taille, et SCHØØL, avec au micro Francis Mallari de Rendez-Vous et Erica Ashleson (Special Friend, eGGs). Sans compter les nouveaux venus Disarme, Logiciel (ex Jakju) ou Marcel. Une esthétique de label qui s’échappe un peu des sentiers battus de l’indie pour ouvrir le champ des possibles avec un peu plus de perspective. Alors qu’il fête ces jours-ci les cinq ans du label aux Bars en Trans de Rennes, il s’est volontiers prêté au jeu du Sélectorama et nous balance dix morceaux qui comptent pour lui. Et comme il n’est pas du genre à lésiner, il nous gratifie même d’une généreuse playlist au nom ultra intrigant : Jukebox Planisphere.


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Leonard Cohen, Various Positions (CBS, 1984)

If it be your will.
« Si telle est ta volonté. »

C’est ainsi que Leonard Cohen conclut la difficile deuxième période de sa carrière dite « des désamours », qui a succédé à la lune de miel entre le poète et son public, à sa bohème élégante mais sincère, inattaquable géographiquement — le Chelsea Hotel et Hydra avant l’arrivée de l’électricité sur l’île, qui dit mieux ? — et artistiquement — les recueils, le roman, puis les trois premiers albums, inattaquables — trop noirs ? Inattaquables.

Ces fameux trois albums inauguraux qui captivent d’emblée l’Europe alors que ce sont ceux qui rêvent encore d’Amérique, qui deviennent des tables de la Loi, des mesures de toute chose folk, de tout arrangement – et très vite, dès Songs of Leonard Cohen, qui deviennent des prisons. Cohen lors de ses premières tournées, malgré toutes ses tentatives de sabotage — concerts sous LSD, chevaux, impréparation, empathie —, peine sous le poids des mots ravivant soir après soir les passés et les morts — père, amours, etc. —, sous le poids des attentes, sous le poids de la perfection qu’il atteint quand il fait sans essayer d’être. Un poids sous lequel Bob Dylan, d’un cuir plus solide, a déjà craqué et s’est enfui avant de réapparaître autre, tout autre. Continuer la lecture de « Leonard Cohen, Various Positions (CBS, 1984) »